사진, 영화, 애니메이션에서 조명에 대한 우리의 이해는 시간이 지나면서 점점 더 발전했다. 최근 몇 년 동안의 기술은 영화와 TV 제작 산업의 요구를 충족시키기 위해 빠르게 발전했다. 그러나 항상 그렇지는 않았다. 사실 1800년대 후반의 영화 제작 조명은 당시 사진에 사용된 기술에 비하면 다소 원시적인 것이었다. 영화 제작자들은 사진에 사용된 인공 조명을 사용하여 품질을 향상시키기보다는 일광에 크게 의존했다.
최초의 시도
감독 D. W. 그리피스 (1875-1948)는 영화의 분위기를 고조시키기 위해 카메라와 조명의 사용을 연구한 최초의 사람들 중 한 명이었다. 1911년에 개봉된 Enoch Arden에서 얼굴에 부드러운 조명을 도입했다고 알려져 있다. 이것은 보통 광원을 반사시키거나 분산시켜서 사람이나 물체에 거친 그림자가 생기지 않도록해서 만들어진다. 부드러운 조명은 보는 사람에게 더 매력적으로 보이고, 더 행복하고 밝은 장면을 위해 사용되는 경향이 있다.
이때부터, 우리가 영화에서 알고 있는 것처럼, 조명은 너무 스타일화되어 실제 극중 현실을 거의 반영하지 못했다. 대신에, 조명은 우리가 생각하는 어떤 감정이나 시나리오가 어떠한지 시각적으로 표현하는 역할을 하게 되었다.
렘브란트 빛
렘브란트 빛이 미국 영화에 서서히 도입된 것은 이 무렵으로, 이 기법은 이미 덴마크와 독일 영화에서 많이 사용되고 있다. 렘브란트 빛은 1600년대에 자신의 예술에서 빛으로 혁명적 실험을 했던 유명한 네덜란드 화가의 이름을 따서 지어졌다. 이는 그림자를 사용하여 인물의 얼굴에 선명도를 더하고 더 극적으로 보이게 하는 방법으로서, 예를들면 빛의 반사가 눈 아래에 역삼각형을 만드는 식이다.
3점 조명
또한 영화의 이야기를 더욱 고조시키기 위해 다양한 빛의 조합을 사용하는 것이 점점 더 흔해지고 있었다. 그러한 접근법에는 3점 조명이 포함되었는데, 이는 오늘날에도 여전히 많이 사용되고 있으며 샷의 기본 조명을 만들기 위해 3개의 조명을 사용하는 기술이다. 1900년대 초반에 만들어진 많은 이러한 기술들은 영화, TV, 애니메이션에서 오늘날에도 여전히 조명의 근간을 구성한다. 이러한 기술들은 시대에 따라 진화해 왔으며 현대의 창작자들에게 빛을 실험할 수 있는 훨씬 더 많은 기회를 주었다.
빛과 그림자
초창기 예로 필름 느와르를 들 수 있는데, 빛과 그림자의 독특한 사용으로 긴장감이 감도는 분위기를 유지할 수 있었던 한편 거친 사실주의적 표현도 하였다. 이 장르는 1920년대 독일 표현주의 영화의 영향을 받았는데, 낮은 조명을 사용하여 어두운 그림자와 흑백의 극명한 대조를 보인다. 이것은 공포 영화와 같이 어둠이나 안개 속에서 나타날 수 있는 실루엣의 인물들에 사용되었다. 가장 상징적인 예를 들어 보자면 베네치아 블라인드의 그림자를 들 수 있는데, 특정 이미지를 투사하기위해 광원에 고보를 추가하는 식이다.
이 모든 것은 어두운 색조와 무색의 자연을 강조하는 영화의 분위기를 위해서다. 심지어 오늘날, 고전 장르를 현대적으로 해석한 네오 느와르와 함께, 비록 색상을 사용하긴 하지만, 어두운 범죄 장르의 거친 사실성을 전달하기 위해 이같은 조명 기술이 사용된다.
분위기 조성
흔히 조명과 조명이 우리의 감정에 미치는 영향이 널리 알려지지 않은 경우가 더 많다. 흔히 뭔가 잘못되었을 때만 조명이 잘못된것을 알아차린다.
이러한 기술은 단순한 방법으로 실행할 수 있고 등장인물을 이해하는데 핵심이다. 이를 위한 기본적인 방법은 샷 내에서 빛의 위치이다. 만약 한 사람의 얼굴 한쪽으로 빛을 이동시키면 즉각적으로 미스터리와 음모에 빠진 사람을 드라마틱하게 나타낸다. 그러나 만약 그 빛이 얼굴 아래로 이동되면 왜곡된 그림자를 만들어 얼굴의 모양을 바꾸고 그 사람을 사악하게 보이게 만든다. 이것은 공포 영화에서 가장 흔하게 사용되거나 유령 이야기를 할 때 우리 모두 해본적이 있을 것이다.
심리적 반응을 역이용하다
이 기술들은 빛에 대한 인간의 심리적인 반응에 이용한 것이다. 그러나 물론, 이러한 기술들이 항상 무조건 받아들여지는 것은 아니다. 사실, 많은 촬영 감독들과 창작자들은 그들의 이야기를 더 돋보이기 위해 오히려 모순된 방식을 쓰기도 한다.
다크 나이트를 예로 들어보자. 배트맨은 영화의 영웅이지만, 어둠 속에서 살아간다. 관객들은 그를 검은색과 연관짓는다. 그가 고담을 구할때마다 그는 보통 밤이나 어둠의 베일 속에 있다. 하지만, 조커가 영화에 등장할 때는 대낮이다. 그 반대가 일반적인데, 크리스토퍼 놀란은 낮의 혼돈을 역이용하여, 결과적으로 관객들이 보다 밝은 장면에서 긴장하게 만든다.
색상을 이용하다
이것은 또한 극에 색상의 사용을 가져오는데, 이는 샷의 분위기를 더욱 고조시킨다. 색상은 일반적으로 사람들에게 더 효과적인 심리적인 반응을 일으킨다. 이것은 다시 시청자가 특정 색상과 연관된 특정 캐릭터 또는 샷을 볼 때 어떻게 느끼는지를 조작하는 데 사용될 수 있다. 이것은 단지 영화에서 뿐만 아니라, 병원의 차분한 색조들이나 위험 신호의 대담한 색상들과 같은 삶의 더 넓은 현장에서 볼 수 있다. 우리 인간은 색채에 대해 깊은 심리적 반응을 하는데 촬영술이 이를 조작할 수 있다.
현대 영화 제작에서, 영화 내에서 색과 조명의 실험은 더 나은 예술적 표현을 가능하게 하고 계속해서 이야기가 시각적으로 전달되는 방식을 넓힌다. 색의 품질과 범위를 보장하기 위해 도입된 ACES와 같은 표준을 사용하면 장면의 색이 종종 향상된다. 매우 구체적인 디지털 색 등급이 영화의 색을 스타일화하는데 사용되기 시작한 것은 O Brother, Where Art You?와 같은 영화들이 나온 2000년대 초반이었다. 그러나 이것은 지금까지도 샷의 특정한 색을 강조하기 위해 사용되는 유색 젤 또는 LED의 세트 사용을 감소시키지는 않았다.
조명의 중요성
조명은 모든 장면, 촬영, 사진 및 극장에서 기본적인 요소이며, 스토리 텔링의 뉘앙스에서 중요한 역할을 한다. 비록 조명은 종종 눈에 띄지 않고, 침묵의 영웅으로서 행동하지만, 그것은 관객의 감정부터 전반적인 미적 감각 및 톤에 이르기까지 모든 것에 영향을 미친다.